В какой-то момент у каждого человека, который делает проекты в искусстве, возникает ощущение, что он ходит по кругу.
- Создает какие-то проекты, а на них приходят одни и те же люди.
- Отправляет заявки, а на них не отвечают.
- Пишет одну работу за другой, а потом они отправляются на склад или пылятся в мастерской.
- Общается с площадками, чтобы сделать выставки, а они куда-то пропадают.
Всё это говорит только об одном: в нашем подходе к тому, что мы делаем необходимо что-то менять. Если мы не растем и не чувствуем этого развития, мы вредим своей карьере и медленно катимся назад. Как же этого избежать?
Конечно, процесс поиска в искусстве может быть бесконечным и может длиться годами и даже если мы осознаем потребность изменений не факт, что мы их совершим прямо в моменте. Осознать, что нужно что-то делать по-новому, это половина вопроса, необходимо понять, какие же именно действия стоит предпринять для нужного результата.
А какие же у нас цели и зачем мы это делаем?
Моя любимая фраза: «Можно всё, главное, понимать зачем». От понимания желаемого результата зависят наши действия и результат как таковой. К сожалению, часто мы склонны подменять наши истинные цели, теми, которые принято произносить.
Приведу пример. Человек в какой-то промежуток времени решил стать художником и начал что-то писать. Скорей всего у этого человека уже закрыты базовые потребности и он, как рассказывает нам известная пирамида Маслоу, занялся творчеством и самовыражением. Не профессией художника, а удовлетворением своих потребностей и признанием себя как личности. Однако просто признаться себе в этом как-то тяжело и хочется продаж, профессионального признания и так далее.
Вот тут начинается противоречие, которое может быть губительным или которое может привести к изменению подхода. Что я имею ввиду? Картина, сделанная для самовыражения, плохо продается и также плохо принимается профессиональным сообществом, так как ее цель не развитие искусства и трансляция культурных процессов, которые изучил автор, а трансляция самого себя. И если нам не интересны искусство и зритель, а интересны только мы, то и мы не интересны искусству, а интересны только самому себе и своим друзьям, и родителям…
- И вот здесь важно определить свои истинные цели и желания, и честно рассказать самому себе: а что мы хотим?
- И если мы не готовы идти в искусство как в профессию, то может и оставить это как хобби?
- Радовать друзей и иногда арендовать площадку, чтобы был повод собраться?
А вот если мы понимаем, что это наша профессия, то тут имеет смысл начать мыслить по-другому: не из своего ощущения прекрасного, а из тех процессов, которые происходят в искусстве, в жизни и чем мы можем этим процессам быть полезны. Любая профессия - это служение, и вот здесь нужно понять: готовы ли мы служить искусству и его зрителю? Как бы высокопарно это не звучало.
Хочется здесь привести пример художника Гленна Брауна, который достаточно много рассуждает о том, как связано эмоциональное и рациональное в искусстве. Когда он искал свой стиль, он брал у художников прошлого и искал варианты, как прокомментировать эти работы в настоящем. Художник открыто говорит о том, что авангард создал ложное ощущение, что «художник может вернуться к детскому уровню коммуникации, где внутреннее я может быть выплеснуто напрямую на холст и сырая эмоция, которая вне общества и вне коммуникации появится каким-то образом».
Такие художники как Пикассо, де Кунинг и экспрессионисты сделали, по мнению Гленна Брауна, достаточно много для этого. Однако для них это была своего рода обманка, чтобы понять более точно, а что же такое человек? Некое притворство, когда все смотрели и понимали, что про детское сознание и восприятие здесь не может быть и речи. И эта обманка, которая сегодня вводит нас в заблуждение. «Мои работы - это не только комбинация меня, это комбинация всех художников, которых я видел и у которых я сознательно заимствовал что-то. Мы не можем быть полностью оригинальны, потому что это означает выход из языка искусства в принципе».
Аудит проекта
Если мы понимаем, что …
